¡Qué bello es vivir! (It's a Wonderful Life) 1946 - Reseña

¡Qué bello es vivir! (It's a Wonderful Life) 1946
Mi nueva tradición navideña!
 
Un clásico es una referencia para otros, es una fuente de la cual se nutren las letras de las canciones, las películas, las obras de teatro y hasta los cliches, como el del celebre ángel caido (publicidad AXE, Video Musical "Bonita" de Diego Torres, películas "El Cielo sobre Berlin" y  "Tan lejos y tan cerca" de Win Wenders, "El Cielo puede esperar" con Warren Beaty o el remake de la primera de las películas citadas de Wenders "Ciudad de Ángeles" con Nicolas Cage), entre muchas otras productos que se nutren y se derivan de las fuentes que manan la sabia perfecta.
 
Esta película es un verdadero clásico del cine estadounidense, y es una de las cintas más transmitidas por televisión abierta en muchos países en la época decembrina, especialmente en la tarde del día de nochebuena. Sin embargo, en Venezuela no había tenido la oportunidad de verla por los antiguos canales de señal abierta pre era del cable (VTV, Canal 4, Canal 2, Canal 5) que pasaban las películas de la época de oro del cine mexicano, los cortos de Harold Loyd, Los tres chiflados, la Pandillita, Chaplin, entre otros. Gracias al servicio Netflix pude llegar a esta autentica joya del cine. 
 
A partir de otro clásico de la literatura Cuento de  Navidad de Charles Dickens, se desarrolla la historia de George Bayle quien el día antes de la noche de navidad ha decidido tomar una decisión drástica sobre la idea de que el mundo estaría mejor si él no hubiera nacido.
 
De esta manera, una corte celestial se reune para cumplir con lo que piden para esa fecha los habitantes del pueblito de Bedford Falls dónde la mayor plegaria a  Dios por parte del pueblo  es que se acuerde de George Bailey, y le ayude a ser feliz. San José encarga el trabajo de enviar a George a Clarence, un ángel de segunda clase, que es el que más tiempo lleva intentado ganarse las alas. Antes de enviar a Clarence a la tierra, San José le muestra lo que ha sido la vida de George Bailey, lo cual desarrolla -a lo largo de 2 horas 10 minutos apenas perceptibles por el espectador- extensamente el título del filme, en una especie de cápsula del tiempo que toca el pasado, el presente y una realidad alterna. Autentica redención para el personaje protagonista de esta historia 
 
Frank Capra  desarrolla perfectamente su oficio en la silla de director (sepa querido lector que este italiano talentoso tambien es responsable del clásico "El Señor Smit va a Washington"). !Que bello es vivir¡ es  para muchos su película más conocida y nominada a 5 oscar incluyendo mejor actor, director y película. Igualmente es considerada por el American Film Institute como una de las 100 mejores películas  del cine estadounidense (puesto 11). Las actuaciones de James Stewart, Donna Reed (en los papeles protagónicos), así como del resto del elenco son maravillosas.
 
Los demás elementos de la obra como la música, fotografia, los grandes escenarios de filmación presentes en algunas secuencias, son el testimonio puro del Hollywood de la edad de oro, en un clásico que a más de 64 años de su esteno se mantiene intacto para nuevas audencias con un encanto que muchas de las grandes super producciones de años recientes quisieran para no ser olvidadas rápidamente del imaginario colectivo.
 
Esta autentica joya de la cinematografía, reflejo de un mundo que dejó la inocencia atrás y que se convierte en un lugar mucho más dificil para vivir, es la oportunidad del reencuentro con lo mejor de nosotros, especialmente en estas fechas aún significativas para muchos, de que la vida es una oportunidad única de maravillas, en base a la salvación que representa para la condición humana la fé, el amor al prójimo y la redención.
 
En la oportunidad de conocer sobre el primer embarazo de mi esposa, esta película no faltará en mi colección personal para compartirla en familia en estas fiestas navideñas. Altamente recomendable si no la has visto; y si la has visto, oportunidad única para reencontrarte con uno de los clásicos genuinos del cine para todos los públicos

Rango (2011)

Rango (2011)

Cuando la apuesta arriesgada rompe moldes y logra el éxito

La primera película animada del año de Dreamworks Picture, Rango (EEUU- 2011), es la deslumbrante propuesta en una película de un género que ha ganado un público creciente en base a propuestas innovadoras y guiones ingeniosos.

Este Wenster animado rinde homenaje a las películas El jinete sin rostro y Lo bueno, lo malo y el feo; a Clint Eastwood (Tal como lo haría el grupo musical Gorillaz en la canción del mismo nombre); y gana un nuevo director- Gore Verbiski- que del cine de acción real (La serie Piratas del Caribe) pasa a la animación con gran acierto e ingenio.

El diseño de producción y los personajes principales –comenzando por el titular que es un lagarto- es orgánico, copiando los detalles de manera tan foto realísta que termina siendo un trabajo extraordinario de animación de los animales que representan- conejos, tortugas, gatos siameses, pavos, víboras, buhos- por supuesto, dotándolos de características propias de un personaje casi humano, capaz de transmitir emociones.

La ruptura a nivel visual y estético con otras películas animadas es lo primero que se cuenta de una propuesta tan innovadora y fresca que nos hace olvidar (y extrañar por lo que puede ser impresionable para los niños) los hermosos personajes de otras películas hechas por ordenador.

El personaje de Rango es perfecto para la voz de Johnnie Depp: Un lagarto complejo, multifacético y provisto de un humor negro que en más de una ocasión va directo al público adulto presente en la proyección, incluso sin abandonar el humor básico dirigido a los niños.

La historia es un tema que obviaré comentar para no adelantar la trama al lector que me siga en esta reseña.

A pesar de ver la versión en español latino doblada por actores que logran transmitir lo hilarante del argumento, quedo con la curiosidad de ver la versión anglosajona y en algunas secuencias, la opción en 3D que imagino magnifican la animación. Pese a esto, la película no tiene desperdicio.

Llena de secuencias deslumbrantes de vertiginosa animación, repleta de detalles a más no poder e hilarante guión- superando la etapa de las películas nominadas al Oscar-, Rango es la mejor opción actualmente en la cartelera comercial.

El americano/ The American (2010)

George Clooney (Kentucky, 1961) es un actor americano que ha logrado transcender como otros, las pantallas chicas de los televisores (ER) a la gran escena hollywoodense, como astro de taquilleros films (The Perfect Storm, Ocean Eleven) y bodrios (Batman y Robin, quizás lo más vergonzoso de su carrera); que sin embargo –y a diferencia de otros famosos-, ha ganado consistencia y madurez en films de intrincada crítica ya sea política, moral y de mirada intimista o de autor (Syriana, Michael Clynton, Solaris, Fantastic Mr. Fox); llegando a darse el lujo de sacrificar taquilla por historia; y entregando propuestas interesantes desde el punto de vista del arte que desarrolla: el cine

Las películas del género de asesinos a sueldo han sido una apuesta segura para productores y casas de distribución; desde la famosa serie de James Bond -el más célebre y sofisticado asesino con licencia para matar-; el amnésico Jason Bourne hasta auténticos arrebatos de adrenalina sin sentido, de títulos que no vale destacar por sosos y predecibles.

El americano (Anton Corbijn, 2010), conjuga en una sola cinta el género de las películas de asesinos a sueldo -al estilo de León el asesino (The professional)-; con la dinámica y estilo de la narrativa del cine europeo por contemplativo, limpio e intelectual por la sola historia y la presencia de la imagen. Un hombre solitario (Jack, quizás no sea su verdadero nombre), es un frío asesino y refinado artesano de la armería, que tras esquivar un intento de asesinato es enviado por su contacto a desaparecer en una hermosa campiña italiana, con la advertencia de no involucrarse afectivamente con nadie y a encargarse de un nuevo trabajo que consiste en preparar un arma clandestinamente sin dejar rastros a los fines de servir a un asesinato, ya no ejecutado directamente por él. De sentimientos impenetrables, en el trayecto conoce una prostituta de quien se enamora y por quien decide salir de la vida asesina, una vez completado esta última asignación.

¿Le suena a lugar común? Debe creerme cuando le aseguro que la forma como se desarrolla en adelante la cinta, no lo es.

El director maneja con tino los clímax dramáticos de la historia, entre las bellas tomas de la campiña italiana de calles y fachadas con escaleras intrincadas; planos idílicos de nuestro asesino taciturnamente sentado en una cafetería casi solitaria al anochecer, para terminar siendo testigo de la forma milimétrica y ritual con la que reúne y construye todo los elementos para el arma del último trabajo. Los diálogos son los necesarios para entender la acción, y cómo película es un ejercicio distinto del género que si se observa sin las expectativas basadas en acción trepidante y explosiva, patadas voladoras y frases trilladas, es disfrutable como el vino al contemplar con la misma parsimonia el fondo del rural italiano. Clooney está soberbio como el asesino Edward (¿acaso este es su verdadero nombre?), y sin ser una película de excesos, supone en un final inexorable por fatal, la posibilidad abierta de acuerdo a la sensibilidad de cada espectador. La película es muy recomendable. Véala solo si no está apurado y tiene paciencia para dejarse seducir por la historia e incluso el americano Clooney; de lo contrario le parecerá interminable y no la valorará.

¿Why did i get married too?/ ¿Porqué se casan también?

La primera vez que vi algo de Tyler Perry, estaba acostado viendo tv por cable con la pioja. Si bien la Reunión Familiar de Madea (2006) tenía rato de haber comenzado, nos atrapó hasta su desenlace y me pareció algo sumamente fácil de ver y seguir, tanto como la recordada novela rosa semanal “Jazmin” que devoraban las clientas de mi madre mientras esperaban su turno en su peluqueria para embellecerse .

Tyler Perry (Septiembre 1969, New Orleans) es un reconocido actor, escritor, productor, director de cine y teatro, y un larguísimo etcétera, relativamente desconocido en esta parte del mundo. Abusado por su padrasto siendo aún muy niño e inspirado a escribir por la misma Oprah, refleja en su obras gran parte de su historia de superación, dónde ha desarrollado una mirada intimista desde el punto de vista femenino, logrando expresar en sus obras la sabiduría que emana- a veces- el intrincado corazón de la mujer contemporánea. La obra de esta hombre, suerte de rey negro intelectual de corazones de casi dos metros de altura, se debate entre la crítica de usar estereotipos raciales por una parte; y de extremo contrario de dar mensajes positivos de autoestima, amor y respeto a la comunidad de afroamericanos. Sea de una u otra manera, su obra vende.

Why did i get married too? (Tyler Perry, 2010), traducida literalmente como ¿Porqué se casan también?, es la continuación de Why did i get married? (Tyler Perry, 2007); y centra la historia en la reunión vacacional anual fuera de la ciudad que hacen cuatro parejas de afroamericanos mientras analizan sus respectivas situaciones y las razones del porqué siguen juntos.

A diferencia de cintas recientes en tono de comedia que exploran situaciones de pareja como Couples Retreat (2009), Meet the parents y su continuación con tercera entrega inminente estas navidades, entre muchos otros títulos; Perry es experto en plantear situaciones cotidianas desde el punto de vista femenino dentro de toda su filmografía, por lo cual conecta rápidamente con el público porque plantea las situaciones y personajes como lo haría una vecina con buena labia sobre lo que pasa en su vida, resultando en comedias ligeras con breves reflexiones sobre los conflictos de pareja (familia, divorcio, muerte, recomienzo), y muchos elementos de melodrama a moco tendido de novela en horario estelar.

Sin ser una obra maestra en el género de películas sobre relaciones de pareja, ¿Porqué se casan también? mantiene el interés a lo largo de sus dos horas de duración, tanto para el hombre y la mujer, que tienen o no algún tipo de relación. Repito, no es la mejor historia de la vida ni la más sólida pero entretiene y permite el acercamiento a la obra de un director prácticamente desconocido.

En mi caso, terminé con la sensación de haber sido testigo de una conversación de mujeres en la peluquería de mi mamá, mientras leía vanidades y tomaba café con galletas.

La consigue en los puestos de películas piratas, con la portada de la primera parte, pero ojo, no se confundan. Los merchantes ni siquiera saben lo que tienen

Up, una Aventura de Altura (Reseña Blu Ray/ DVD)

Sin duda, Up, una aventura de altura (como se le conoció en América Latina) de Pete Docter y Bob Peterson (Disney- Pixar, 2009), es una de esas raras avis en el cine de animación digital, dónde el resultado final supera con creces las expectativas del espectador y transciende el formato inicial de cinta infantil dirigida para toda la familia, para convertirse en una reflexión sobre la vida de casados, las metas compartidas y el amor filial que se puede hallar aunque no se tengan hijos propios. La factoría de la lamparita Lúxor, luego de éxitos taquilleros y de crítica como las tres entregas de Toy Story, Monster INC, Buscando a Nemo, Los Increibles, Ratatoullie; y las no tan bien valoradas por el público Bichos, Cars (con segunda parte prometida para el 2011 en cines) y Wall-e; siempre presenta innovación en premisas e historias sólidas, bien desarrolladas e impecablemente animadas.

Carl Fredericksen es el protagonista menos pensado para una historia de animación. Él es un viejo cascarrabias de 78 años de edad, quién disfrutó de una vida buena y modesta como vendedor de globos al lado de su esposa Elli quién en el fondo era una soñadora aventurera como él, hasta que muere y deja a Carl sólo en la casa que construyeron juntos, con los recuerdos de toda una vida que parece que termina, pero que toma de nuevo altura en el sentido literal de la palabra, tras seguir el ideal de cumplir el viaje de los sueños de la pareja de llegar a las Cataratas del Paraíso en América del Sur (Gran Sabana venezolana) . Con la llegada inesperada de Russell, un niño rollizo Boy Scoutt en búsqueda de su última insignia de servicio, Carl emprende lo que quizás sea la aventura más asombrosa de su vida, y el inicio de nueva etapa de su existencia.

Ahora llega la versión en Blu- Ray + Disco de Bonos + DVD + Copia Digital de la película ganadora del Oscar como mejor película animada de ese año (incluyendo otras 4 nominaciones contando el apartado de mejor película del año). El paquete de 4 discos es excepcional y un placer para el fanático del cine apreciarla en toda su majestuosidad cómodamente en el hogar. El disco 1 incluye la versión del film en versión de Alta Definición (HD) que es un autentico manjar visual y auditivo para el espectador, con los cortos animados “La misión Especial de Perro” y “Party Cloudy” proyectado en cines antes de la película; al igual que “Los finales alternativos de Muntz”; y la función Cine- Explore dónde los directores hablan sobre la película.

El disco 2 también en Blu Ray, incluye una gran cantidad de material especial sobre la realización de la película, resaltando “vida de casados” una revisión ampliada de la historia de Carl y Elli; 8 documentales incluyendo un especial sobre la visita del equipo de Pixar a Venezuela para estudiar y dibujar los tepuyes y el Salto Ángel que aparecen como personajes principales de la película; e incluso el juego “Global Guardians Badge Game”; además de mucho material adicional (cerca de 5 horas en conjunto).

Finalmente el disco 3 es la versión de la película en DVD con otros bonos adicionales para el formato y el disco 4 corresponde a la copia digital de la cinta para tenerla en el teléfono celular o el ipod.

Realmente es una de esas películas en video casero que debe tener en original y no en copia, para disfrutarla una y otra vez. Compra obligada para su colección.

RESEÑA JULIE & JULIA

JULIE & JULIA (2009) Meryl Streep (New Jersey, 1949) es una de las actrices más emblemáticas de la cinematografía mundial. Dueña de una gran capacidad para transformarse y literalmente, meterse en la piel de sus personajes, ha dado vida a través de su rostro a algunas de las madres más recordadas del celuloide como la sufrida Joanna Kramer en la premiada Kramer vs. Kramer (1979); la solitaria ama de casa Francesca en la adaptación de la novela Los Puentes de Madison (1995); Donna Sheridan, la estupenda y vivas madre de la adaptación cinematográfica del musical de Broadway Mamma Mía! (2008); y la mamá moderna e independiente que cría a sus hijos mientras vive una aventura con su ex marido (It´s Complicated, 2009); siendo siempre única y brillando en películas emblemáticas o simplemente comerciales, que por su presencia destacan aunque sean productos totalmente predecibles. En Julie & Julia (Nora Ephron, 2009), se narra la historia en paralelo de Julie Powell (Amy Adams- Encantada, La Duda) una joven mujer casada que piensa que la vida se le está escapando miserablemente de las manos por un trabajo que nada le aporta y decide dedicar un año de su vida a escribir un blog a partir de su propia experiencia de cocinar las recetas del libro de cocina americano “Dominando el Arte de la Comida Francesa”, de la celebrada autora Julia Child (Meryl Strep), y así lograr la tarea de concluir por primera vez en su vida una meta sin abandonarla, simplemente por el reto personal de hacerlo. La aventura de cocinar 524 recetas en 365, para luego de cada experiencia ser publicado en un blog, es un excelente punto de partida para la construcción de una comedia, inspiradora, inteligente y reflexiva sobre mujeres y para mujeres, a partir de las similitudes y dificultades de vida que afrontan las dos protagonistas y con las cuáles el espectador se pueda identificar a lo largo de la película. Sin embargo, el talón de Aquiles de esta historia es precisamente el guión, la estructura narrativa, la edición; pero no las actuaciones, incluyendo a un eficiente Stanley Tucci, como el esposo fiel de Julia. Lamentablemente las contrapartes masculinas no tienen dimensión ni desarrollo importante y resultan sólo meras referencias dentro de este relato femenino, que creí podría ser un festín amoroso y culinario, al estilo de películas como la Fiesta de Babel o la estupenda Cómo agua para chocolate. De cierta manera, el personaje de Julia Child (Streep) quien es esposa de un funcionario diplomático y cocinera por vocación, nunca pudo tener hijos y sin embargo, a pesar de 40 años de distancia entre ambas historias, resulta una excelente madre y una inspiración para Julie Powell a través de sus libros, su obra e incluso sus apariciones por televisión, que hacen enmarque de una profunda gratitud hacia la vida de esta cocinera por parte de Julie, que la toma como una mentora en su aprendizaje de vida como mujer independiente. Pero aún así, no logro decifrar el porqué esa admiración desmesurada, y eso me pasa en muchas oportunidades durante la película. Ephron, especialista en comedias lígeras de tono rosa como “Tienes un E-mail”, “Sintonía de Amor” (ambas con Tom Hanks y Meg Ryan), no puede llevar la dirección a puerto firme con un guión que deja muchas lagunas en la historia, y una narración que hace que la película transcurra lentamente y sea predecible en su desarrollo, con cortes argumentales que no siguen un arco de continuidad. Esperaba encontrar algo distinto, fresco, que se correspondiera con el tráiler (quizás lo mejor de la cinta), pero me quedé con hambre y con las ganas de algo más suculento. Totalmente precindible, bien puede alquilarla o comprarla para ver una tarde de sábado o domingo mientras lee el periódico, se levanta a ver quien toca el timbre o saca la ropa de la lavadora.

RESEÑA THE HURT LOCKER

RESEÑA

THE HURT LOCKER (2009)

Aún sin fecha de estreno en muchos países de America Latina (incluyendo Venezuela), la película de The Hurt Locker de Kathyn Bigelow (California, 1951), es sin duda la sorpresa del año en materia cinematográfica, cosechando loas de la crítica especializada y figurando prácticamente en las principales categorías de los eventos de premiaciones de cine, incluyendo los Globos de Oro y la venidera entrega de los Oscar.

Bigelow es una de las pocas mujeres reconocida en la meca del cine por desarrollar cintas de acción y violencia tradicionalmente dirigidas por hombres. Películas como Point Break (1991) con Patrick Swayse y Keanu Reeves; Strange Days (1995) con Ralph Fiennes (ambas películas producidas por James Cameron durante el breve matrimonio de ambos); y K-12: The Widowmaker (2002) con el protagonismo de Harrinson Ford y Liam Neeson, dan una carta de presentación que se torna sorpresiva con el estreno del poderoso relato de The Hurt Locker, un drama bélico ubicado durante el conflicto en Irak de 2004, y visto a través de las experiencias de los miembros de élite de una Unidad de Bombas.

La columna de este relato se debe al guión de Mark Boal, quien centra la historia en el sargento Williams James (Jeremy Renner), quien se gana la vida desmantelando explosivos como parte de un equipo de élite del ejercito. El mérito del guionista consiste en colocar al espectador en la piel de este experto en explosivos adicto a su trabajo y hacer a la audiencia participe del riesgo y el placer que asume el personaje con cada trabajo. Con un desapego a su vida civil fuera de la militar, viviendo brevemente en los papeles de esposo, padre y hombre de familia, se da cuenta que solo brilla y vive estando al borde de la muerte constantemente en la profesión dónde realmente es muy bueno.

Eso en el fondo como espectador, hace reflexionar sobre la guerra como un asunto del hombre inexplicable en sí mismo.

La película no explora los motivos políticos ni económicos de la crisis interna que condujo principalmente a Estados Unidos y el Reino Unido a invadir ese país, justificando esa intervención militar por la posesión y desarrollo de armas de destrucción masiva, convirtiéndose inmediatamente en una amenaza latente para el mundo entero. Al contrario, The Hurt Locker se centra en los hombres enviados a la paranoia de una guerra, dónde más que el desarrollo del arte de desarmar bombas, se urga en las consecuencias de la violencia generada en conflictos y como termina afectando la psique y los valores de los seres humanos sometidos a ella, protegidos únicamente con un uniforme, casco y las armas de reglamento.

Distinto a un videojuego de guerra, la narración lleva al espectador a entender que se apuesta la vida a cada momento y no hay manera de recargar el nivel y volver a comenzar. Esta película construye personajes y los desarrolla a lo largo del metraje, convirtiéndose en una paradoja moral de la guerra y creando en el espectador emociones encontradas como empatía, repudio, temor, expectación, incertidumbre, dentro del marco del conflicto bélico.

Por estas razones, excelente dirección, edición trepidante, efectos sonoros y sólidas actuaciones, Bigelow sorprende al mostrar un cine de acción anti rocambolesco, de salida fácil y con final de comiquita.

The Hurt Locker es la apuesta del cine independiente contra la maquinaria de Hollywood representada por los grandes estudios y el box office. La guerra en Pandora (Avatar) palidece en mucho a pesar de la espectacularidad y la belleza de la misma, a la mostrada en Irak. Solo me queda recomendarle que la vea cuando la estén exhibiendo en el cine más cercano a usted. Seguramente lo dejará pensando.