Bienvenidos a La Butaca del Espectador, Blog sobre el apasionante mundo del cine. Este espacio está concebido para escribir sobre películas en general, sin importar género o formato. Ejercicio mental para distracción y medio para compartir con los lectores amantes del cine. Se permite la participación. Gracias por su lectura!
La primera versión del 2012 basada en el clásico cuento de los hermanos grimm, Blancanieves, llega con meses de anticipación de la mano de Tarsen Singh (Inmortales), director de origen indio y que al igual que David Fincher (Seven, la red social) viene del mundo del video clip (dirigió el video "Losing my religion" de R.E.M, mejor video MTV 1991); estrenándose en la pantalla grande con aquella película protagonizada por Jennifer López e interesante por su puesta visual llamada "La Célula"
Esta versión del clásico cuento infantil se centra más en la figura de la madrasta (Julia Roberts) que de Blancanieves (Lily Collins), caricaturizando esta nueva versión en torno a los personajes esenciales de la historia (principe, mano derecha de la madrasta y los 7 enanos); y el desarrollo de un guión que apunta a la comedia fácil, sin mayor innovación, giro e ingenio.
La película comienza bien en los primeros minutos y luego pierde literalmente el rumbo y el poco pulso para convertirse en una interpretación más del clásico cuento.
Lo mejor de esta película es el vestuario (a cargo de la fallecida ganadora del oscar Eiko Ishioka) y los decorados.
Cómo un toque excéntrico de esta versión (suponemos que motivado al origen indio del director) se rinde homenaje con una escena final de baile al estilo de las películas de Bollywood al cine de la India, sin mayor brillo. la presencia de Sean Bean (Juego de Tronos) como el Rey es apenas circunstancial y no aporta mayor fuerza a la cinta. Ni la presencia de Alan Menken como compositor (ganador de oscar por las composiciones de Pocahontas, Aladdin, La Bella y la Bestia, La Sirenita; todas de la factoría Disney), logra destacar del contexto. Bien puede esperar la versión en video para verla en su hogar
Sólo resta esperar la segunda versión de este clásico que llegará a los cines durante el año 2012: Blancanieves y la leyenda del cazador, la cual promete ser más dark y menos pastel, como la de esta torta con poco merengue
Steven Soderbergh (Atlanta, Giorgia,1964) es un autor prolífico que funge como productor, guionista, director de fotografia, editor y director de sus propias películas. Igualmente es un director de actores, dejándolos fluir; tanto como para que Erin Brockovich le valiera el oscar a Julia Robert y la película "Tráfico" a Benicio del Toro como mejor actor secundario. También es un autor que ha explorado varios géneros cinematográficos, desde su opera prima "Sexo, mentiras y video" (drama); "Un romance muy peligroso" y la serie de Ocean´s (comedia/ crimen); Solaris (ciencia ficción); pero no el género de cine de acción, hasta ahora
Haywire (2012) es el pasaporte al protagonismo del cine de acción para la estrella de artes marciales mixtas de la MMA Gina Carano, quien realiza su primer protagónico memorable como Mallory Kane, una joven marine que trabaja como una contratista de seguridad al servicio del gobierno en los rincones más peligroso del mundo, siendo traicionada y buscando venganza de todos aquellos que le tendieron una trampa
La sinopsis sencilla no se corresponde con lo que se puede ver a lo largo de una hora y 33 minutos en el que transcurre una película de acción que se destaca por un buen guión, acertada dirección y correcta elaboración
Esta pequeña joya sin movimientos trepidantes de cámara y efectos especiales innecesarios, incluye un elenco de estrellas como Channing Tatum, Ewan McGregor, Michael Fassbender, Antonio Banderas, Bill Paxton y Michael Douglas; que en ningún momento logran opacar el protagónico de esta novel estrella de acción femenina; repitiendo el fenómeno de impresionar al público al estilo de Bruce Willis en su estreno en esas lides con la primera entrega de la saga "Duro de Matar". Ni siquiera la fallida "El Marine" con John Cena estrella de lucha libre americana, logra proyectar de tal manera a su estrella como Soderbergh lo hace con Carano
Carano es la estrella de cine de acción que merece ser vista en el futuro (la veremos en In the blood y rápido y furioso 6). Su rostro y acciones logran transmitir el carácter frío y controlado de su personaje; ejecutando incluso sus propias escenas de acción y luchas de combate, gracias a su habilidad natural y su envidiable condición atlética
Haywire no rompe moldes, pero esta pensanda como un ejercicio hábil, rápido, elaborado limpiamente por este eficiente director, que sirve los planos y la acción en bandeja de plata para el estreno y lucimiento de esta naciente estrella de acción
Súper! Esta es la primera expresión que se me ocurre decir después de ver esta película, hecha con unos modestos 12 millones de dólares de presupuesto. Entretenida, ingeniosa (incluso filosófica), hábil y sorprendente
La sinopsis es simple: Tres jóvenes amigos de Portland se ven expuestos a una misteriosa sustancia oculta en un agujero de un bosque y, como resultado, empiezan a desarrollar increíbles poderes. Entonces deciden unirse para perfeccionar sus habilidades, generando un situaciones que acaban por enfrentarlos.
Cuando se tiene una premisa tan sencilla se puede incurrir en el error de hacer un producto pequeño,sencillo y de dudosa calidad. Pero si se tiene un guión grandioso, unos jóvenes y visionarios director y escritor respectivamente; y adicionalmente se sabe emplear con ingenio los pocos recursos disponibles, el producto resalta a la vista
Chronicle no es una película que estudia la figura del súper hombre, ni siquiera del heroe de capa o antifaz como sale en las tiras cómicas al estilo de Watchmen o The Dark Knight. Más bien es una historia sencilla sobre chicos comunes que se va haciendo más densa y oscura a medida que transcurre con la reciente adquisición de habilidades sobresalientes; aflorando el conflicto que se podría presentar en cualquier persona si de un momento a otro contara con extraordinarios poderes.
De esta manera los protagonistas exploran las posibilidades de sus poderes recién adquiridos, al tiempo que afinan habilidades y potencian sus capacidades sobrehumanas; mientras lidian con los conflictos previos de su etapa juvenil e incluso los traumas desarrollados a partir del constante maltrato y abuso
¿Siendo un marginado, que harías con superpoderes? ¿Los usarías para el bien colectivo o para tu propio provecho? Además de tener una historia ingeniosa bien desarrollada que apenas pellizca los cliches para usarlos como plataforma del desarrollo de los conflictos, las motivaciones y decisiones de los personajes, Chronicle apunta a una audiencia juvenil acostumbrada a producciones de grandes presupuesto y poca imaginación e historia; en este sentido y de manera sorprendente la ecuación gira para situarse en una película modesta que sorprende al desbordar gran imaginación, buen entretenimiento, excelentes efectos especiales (los cuáles se aprecian desde el punto de vista hyper realista de la video cámara en mano de uno de los protagonistas- al estilo de la película "La bruja de Blair" o "Monstruoso"); y una batalla final que si bien no es igual en escala a la batalla climax de la película "Los Vengadores", no deja de ser épica y poderosa
Chronicle es más de lo que aparenta, quizás por eso agrada y sorprende: nada de lo que hemos visto se parece a esto
El cine francés es una de las cunas de la cinematografía mundial. Prolija en producciones de variada temática, con una fuerte industria que apuesta a trasladar al celuloide grandes historias bélicas, históricas, cómicas, románticas, infantiles, de autor, animadas, entre otros variados géneros; es sin duda una de las más ambiciosas en cuanto a planteamientos y situaciones
Sin embargo, no es el caso de la Nueva Guerra de los Botones (2011)- distinta a otra versión nueva del mismo libro infantil titulada "La guerra de los botones (2011)- que apunta a convertirse en el drama humano dentro del conflicto bélico que vive un pequeño pueblo sacudido por la segunda guerra mundial, y en dónde los niños de los pueblos vecinos (Longeverne y Velrans) mantienen una disputa sobre la tierra de los primeros y la visita no deseada de los segundos.
Basada en una comedia francesa de éxito de 1962 y transformada en una obra con aspiraciones dramáticas, además de ser producida por el mismo equipo de la alabada película Los coristas (2004); sin mayor profundidad, explicación o sentido, se puede apreciar las distintas batallas infantiles que se perfeccionan a través de la sustracción de los botones del enemigo, de manera de dejarlo indefenso; todo ello mientras apenas se atisba para el espectador el conflicto de fondo que transformará inexorablemente la vida de todos los habitantes de los pueblos, incluso los niños
Mientras que en la comedia original luchaban por ganar independencia (alegoría a un valor de la revolución francesa y del pueblo oprimido) y honor; esta nueva versión sin ton si son
Es apenas un guión plano el que genera una tímida reflexión sobre las desigualdades, la tolerancia, las oportunidades, la nobleza y la inocencia, acompañados por el primer sentimiento al amor y la valentía que se descubre a la más tierna edad infantil
Esta película es apenas un primer borrador de lo que mejor trabajado y desarrollado, pudo llegar a ser tomando en cuenta el precedente de una obra que para los franceses es parte de su historia cinematográfica y adorada por varias generaciones de cinéfilos. Disponible en video
Lamentablemente no puedo decir que la película de esta crítica me haya gustado. Y no lo digo porque no tenga una buena producción y la ayuda de Denzel Washington protagonizando; sino porque se me hace muy familiar en estética, recursos técnicos, actuaciones, personajes e incluso dirección a otras películas del género de acción protagonizadas por el mismo actor afroamericano
Para ser justos en la apreciación de quién esto escribe, la película cumple con la misión de entretener al mayor número de espectadores, pero a mi se me hizo lenta, predecible y esquemática en acciones y personajes. Cómo Thriller no emociona ni mantiene al público a la expectativa, pero al parecer entretiene a la mayoria
Washington interpreta a un enemigo público llamado Tobin Frost quien de agente estrella de la CIA, decide escapar y convertirse en uno de los más buscados al vender secretos militares del gobierno de EE.UU al mejor póstor. Luego de una persecusión innecesaria, inexplicable y algo forzada que termina en la captura de Frost, llega a un "piso seguro" (safe house como originalmente se titula la cinta) dónde será recibido por Matt Weston (Ryan Reynold) una suerte de casero novato que termina convirtiéndose en guardían forzado protegiendo la vida del rehén tan pronto aparecen los villanos en el afán de matarlo
Lo malo es que es el mismo Denzel interpretando con pocas variaciones, los personajes que ya hemos visto en películas recientes como Imparable (2010), El libro de Eli (2010), Deja Vú (2006), Hombre en llamas (2004) por sólo nombrar algunas de sus últimas interpretaciones.
Particularmente me aburre ver la misma fórmula una y otra vez, especialmente cuando no innova y no va más allá del compromiso de hacer dinero en taquilla. El recurso de la cámara nerviosa que se mueve de un lado para otro en las escenas de acción es altamente conocido; las atmósferas filmadas en colores fríos, con personajes secundarios unidimensionales que están de relleno para construir la historia, dan igual a como si no estuvieran en ella.
Incluso el conflicto moral entre los protagonistas es débil; y la película termina siendo un producto para retornar la inversión, obtener la ganancia y dejarse echar al olvido hasta la próxima aventura de Washington en la pantalla grande. Sólo que la próxima vez, yo no pagaré una entrada al cine para verlo haciendo de nuevo el mismo papel
¿Qué es clásico? Se puede definir como digno de imitación, particularmente de un rango superior y que generalmente sirve de modelo a seguir. Si bien se abusa del término al usarlo como un sinónimo de una fase añorada relativa a un producto cultural como lo es el cine, no deja de ser resaltante la contribución, el status de mitos y la influencia que ciertos directores del séptimo arte han logrado durante su carrera.
Steven Allan Spielberg (Cincinnati, Ohio, 18 de diciembre de 1946)es sin duda una figura que transciende el término mal empleado de clásico para sobrevolar la categoría de leyenda en el panteón de los dioses del celuloide. Hablar de Spielberg como el responsable del Blockbuster como lo conocemos hoy en día, es encontrarse con un autor que por ser Rey Midas al convertir todo lo que toca en oro (en su caso, casi todo a excepción de algunas obras como 1941, Always e incluso Amistad), no ha sacrificado la combinación de entretenimiento con acción, aventura, romance, historias asombrosas y personajes inolvidables en su etapa de director (fórmula que ha aplicado en forma desigual como productor de obras fantásticas como Volver al Futuro o bodrios recaudadores de dinero como Transformers); y por ello trascendido de su propio éxito y formula se arriesga a realizar y presentarse como un autor de obras más personales y comprometidas que no ceden a los convencionalismos y forma de hacer cine que el mismo autor ha desarrollado como sello personal, explorando con éxito un cine que refleja históricamente hechos reales que afectaron a la comunidad judía a la que pertenece (La Lista de Shindler´s), las guerras (1941, Imperio del Sol, Salvando al Soldado Ryan, incluso la adaptación de la Guerra de los Mundos); y dónde la niñez y la inocencia se presentan de manera recurrente como personajes en su prolífica obra
De esta manera, Spielberg es Spielberg. Sea como sea, es un autor obligado e indispensable cada vez que presenta algo nuevo en pantalla, y más cuando funge de director. Al igual que Coppola, Scorsese, Kubrick (de quién el mismo Spielberg retomo a su muerte la elaboración del film "inteligencia artificial" con un cuestionable resultado al estilo de peter pan) ver una de sus cintas es una cita obligada con un cine referencial y por encima del promedio, de historias, entretenimiento, espectaculo pero sobre todo, una clase de como hacer cine
Caballo de Guerra (War Worse, 2011) no es un clásico instantáneo ni siquiera lo mejor de Spielberg como director, pero es una película bellamente contada y correctamente elaborada. Nominada en varias categorías de los premios más importantes del mundo del cine- incluyendo mejor película- la cinta se basa en una novela juvenil que narra la historia del joven Albert Narracott (Jeremy Irvine) oriundo de Devon que desarrolla una intensa amistad con su caballo Joey. Cuando estalla la primera guerra mundial, el padre de familia se ve obligado por deudas a vender al caballo al ejército y esta decisión no le gusta nada a Albert. A partir de entonces, el caballo pasa de dueño en dueño (alemanes, franceses y británicos), viviendo desde varios puntos de vista la gran contienda que cambió el mundo.
La película posee una hermosa cinematografía, banda sonora (a cargo del brillante y oscarizado John Williams, colaborador frecuente de Spielberg) dirección de arte, fotografia y un correcto elenco que protagoniza los puntos de la historia a medida que transcurre. La edición sencilla en DVD es modesta pero bien presentada, con apenas un extra sobre la filmación que da relación de la producción de una película de esta envergadura
Quizás un poco idílica y de construcción simple en su argumento, pero cargada de excelentes escenas de enfrentamientos y un trasfondo dónde la guerra sirve de lienzo para entender por las pinceladas de sus personajes como afecta la vida de todos los que en ella participan, Caballo de Guerra le agradará tanto como para verla en video con placer y recomendarla como yo en este momento. Despues de todo no es cualquier director: es Steven Spielberg.
El cine venezolano se ha caracterizado por no ser una industria prolija especialmente en cuanto a filmografias resaltantes- salvo aquella pieza alabada en el mítico festival de Cannes (premio de la crítica internacional), "Araya" de Margot Benacerraf en 1959 la cual se estreno en Venezuela 17 años después¡¡; igualmente es identificable por su baja calidad de producción y dominio de la técnica cinematográfica, y al igual que el país, por relatar historias que reflejan lo peor de nuestra idiosincrasia en decadencia, forma de ser y vivir.
Piezas esenciales en nuestra cinematografía nacional lo certifican, muchas de ellas provenientes en su mayoría de la época conocida como "Nuevo cine venezolano": "Cuando quiero llorar, no lloro" (Mauricio Walerstein, 1973) inaugura con éxito el tipo de relatos que tocan el tema social redituable en términos financieros apareciendo posteriormente clásicos como "El pez que fuma" (Roman Chalbaud) y "Soy un delicuente" (Clemente de la Cerda).
Pese al adelanto tecnológico en procesos de pre y post producción y demostrando el cine que puede manejar otras variantes en su temática, las décadas han pasado y la mayor producción de cine nacional sigue apuntando con mucha más profundidad temas sociales como la delincuencia (La hora cero), secuestro (Secuestro express), sicariato (Sicario), golpes de estado (El Caracazo), extracciones de oro en el Orinoco (Garimpeiro); e incluso por situaciones gubernamentales se ha enfocado en filmar las historias de héroes de la independencia patria (Francisco de Miranda), artistas plásticos (Reverón) por nombar algunas.
Ciertamente el cine venezolano ha tocado en pocas oportunidades temas más sencillos y cotidianos que muestran la otra cara del país que todos queremos, siendo muestras evidentes películas como "El rumor de las piedras" e incluso la película "Hermano" que termina sucumbiendo a la realidad decadente en términos sociales de nuestro país
El cine tiene como función reflejar realidades y también evadirlas, imaginarlas o fabularlas; soñar e inspirar al espectador en un examen terapéutico de felicidad, confort, conciencia, reflexión y ensoñación que se valora mucho más cuando viene de la propia cosecha patria, altamente criticada por reflejar antivalores (embarazo precoz, sexo, prostitución, abandono infantil, pobreza, infidelidad,consumo de sustancias estuperfacientes, groserias, marginalidad); en vez de valores ciudadanos que deben repercutir con fuerza en el momento actual dónde los cambios y los mensajes deben dirigirse a la unidad, la vida y a recuperar las mejores situaciones personales y grupales del colectivo.
En este sentido, Olegario Barrera nos trae la fábula inspirada en una historia de su cosecha, "El manzano azul" que al igual que su opera prima "pequeña revancha" (1986) se vale de la mirada de un niño para contar la historia que protagonizan los adultos a su alrededor y como esa influencia termina generando cambios positivos.
Diego, un muchacho citadino de unos 11 años, marcado por serias carencias afectivas, se ve obligado a pasar unas vacaciones con su abuelo Francisco, a quien apenas conoce, en una pequeña finca ubicada en las montañas de los Andes Venezolanos. Sin televisión, sin celular, incluso sin luz eléctrica y con un frio que cala hasta los huesos, Diego vive una experiencia que lo marca para toda la vida.
La película refleja valores positivos como el amor entre un abuelo y su nieto, la lectura, el amor por la tierra y su gente, la solidaridad, la unión, el respeto por los demás y por uno mismo, el valor de la palabra empeñada; y al mismo tiempo hace una leve mención crítica a la política diciendo que "la política no es mala, lo que son malos son los que la hacen", igualmente a la corrupción; todo dentro de una fábula que sin ser perfecta por carecer de un sólido guión con líneas memorables o una acabada calidad en otros aspectos técnicos o actorales, resulta refrescante como la brisa del páramo y un agrado especial por los mensajes que logra transmitir al público; sin desvirtuar el mensaje hacia la crítica de los temas sociales clásicos.
Esta fábula sencilla ofrece al espectador y al niño protagonista de la cinta, a través de la figura del abuelo (un entrañable Miguel Angel Landa) y del manzano azul varias enseñanzas para la vida y para aplicarlas nosotros mismos, comenzando en la crianza actual y la convivencia en los hogares
Sin ser un prodigio del séptimo arte, el manzano representa una visión mejor del país que todos queremos y necesitamos para vivir, de ahora en adelante. Recomendada. Véala y apoye al cine nacional que en este caso, realmente lo merece. Y no se pierda al principio de la proyección el cortometraje "música del cielo", un esfuerzo loable del amateur director Albi de Abreu
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