Bienvenidos a La Butaca del Espectador, Blog sobre el apasionante mundo del cine. Este espacio está concebido para escribir sobre películas en general, sin importar género o formato. Ejercicio mental para distracción y medio para compartir con los lectores amantes del cine. Se permite la participación. Gracias por su lectura!
El cine francés es una de las cunas de la cinematografía mundial. Prolija en producciones de variada temática, con una fuerte industria que apuesta a trasladar al celuloide grandes historias bélicas, históricas, cómicas, románticas, infantiles, de autor, animadas, entre otros variados géneros; es sin duda una de las más ambiciosas en cuanto a planteamientos y situaciones
Sin embargo, no es el caso de la Nueva Guerra de los Botones (2011)- distinta a otra versión nueva del mismo libro infantil titulada "La guerra de los botones (2011)- que apunta a convertirse en el drama humano dentro del conflicto bélico que vive un pequeño pueblo sacudido por la segunda guerra mundial, y en dónde los niños de los pueblos vecinos (Longeverne y Velrans) mantienen una disputa sobre la tierra de los primeros y la visita no deseada de los segundos.
Basada en una comedia francesa de éxito de 1962 y transformada en una obra con aspiraciones dramáticas, además de ser producida por el mismo equipo de la alabada película Los coristas (2004); sin mayor profundidad, explicación o sentido, se puede apreciar las distintas batallas infantiles que se perfeccionan a través de la sustracción de los botones del enemigo, de manera de dejarlo indefenso; todo ello mientras apenas se atisba para el espectador el conflicto de fondo que transformará inexorablemente la vida de todos los habitantes de los pueblos, incluso los niños
Mientras que en la comedia original luchaban por ganar independencia (alegoría a un valor de la revolución francesa y del pueblo oprimido) y honor; esta nueva versión sin ton si son
Es apenas un guión plano el que genera una tímida reflexión sobre las desigualdades, la tolerancia, las oportunidades, la nobleza y la inocencia, acompañados por el primer sentimiento al amor y la valentía que se descubre a la más tierna edad infantil
Esta película es apenas un primer borrador de lo que mejor trabajado y desarrollado, pudo llegar a ser tomando en cuenta el precedente de una obra que para los franceses es parte de su historia cinematográfica y adorada por varias generaciones de cinéfilos. Disponible en video
Lamentablemente no puedo decir que la película de esta crítica me haya gustado. Y no lo digo porque no tenga una buena producción y la ayuda de Denzel Washington protagonizando; sino porque se me hace muy familiar en estética, recursos técnicos, actuaciones, personajes e incluso dirección a otras películas del género de acción protagonizadas por el mismo actor afroamericano
Para ser justos en la apreciación de quién esto escribe, la película cumple con la misión de entretener al mayor número de espectadores, pero a mi se me hizo lenta, predecible y esquemática en acciones y personajes. Cómo Thriller no emociona ni mantiene al público a la expectativa, pero al parecer entretiene a la mayoria
Washington interpreta a un enemigo público llamado Tobin Frost quien de agente estrella de la CIA, decide escapar y convertirse en uno de los más buscados al vender secretos militares del gobierno de EE.UU al mejor póstor. Luego de una persecusión innecesaria, inexplicable y algo forzada que termina en la captura de Frost, llega a un "piso seguro" (safe house como originalmente se titula la cinta) dónde será recibido por Matt Weston (Ryan Reynold) una suerte de casero novato que termina convirtiéndose en guardían forzado protegiendo la vida del rehén tan pronto aparecen los villanos en el afán de matarlo
Lo malo es que es el mismo Denzel interpretando con pocas variaciones, los personajes que ya hemos visto en películas recientes como Imparable (2010), El libro de Eli (2010), Deja Vú (2006), Hombre en llamas (2004) por sólo nombrar algunas de sus últimas interpretaciones.
Particularmente me aburre ver la misma fórmula una y otra vez, especialmente cuando no innova y no va más allá del compromiso de hacer dinero en taquilla. El recurso de la cámara nerviosa que se mueve de un lado para otro en las escenas de acción es altamente conocido; las atmósferas filmadas en colores fríos, con personajes secundarios unidimensionales que están de relleno para construir la historia, dan igual a como si no estuvieran en ella.
Incluso el conflicto moral entre los protagonistas es débil; y la película termina siendo un producto para retornar la inversión, obtener la ganancia y dejarse echar al olvido hasta la próxima aventura de Washington en la pantalla grande. Sólo que la próxima vez, yo no pagaré una entrada al cine para verlo haciendo de nuevo el mismo papel
¿Qué es clásico? Se puede definir como digno de imitación, particularmente de un rango superior y que generalmente sirve de modelo a seguir. Si bien se abusa del término al usarlo como un sinónimo de una fase añorada relativa a un producto cultural como lo es el cine, no deja de ser resaltante la contribución, el status de mitos y la influencia que ciertos directores del séptimo arte han logrado durante su carrera.
Steven Allan Spielberg (Cincinnati, Ohio, 18 de diciembre de 1946)es sin duda una figura que transciende el término mal empleado de clásico para sobrevolar la categoría de leyenda en el panteón de los dioses del celuloide. Hablar de Spielberg como el responsable del Blockbuster como lo conocemos hoy en día, es encontrarse con un autor que por ser Rey Midas al convertir todo lo que toca en oro (en su caso, casi todo a excepción de algunas obras como 1941, Always e incluso Amistad), no ha sacrificado la combinación de entretenimiento con acción, aventura, romance, historias asombrosas y personajes inolvidables en su etapa de director (fórmula que ha aplicado en forma desigual como productor de obras fantásticas como Volver al Futuro o bodrios recaudadores de dinero como Transformers); y por ello trascendido de su propio éxito y formula se arriesga a realizar y presentarse como un autor de obras más personales y comprometidas que no ceden a los convencionalismos y forma de hacer cine que el mismo autor ha desarrollado como sello personal, explorando con éxito un cine que refleja históricamente hechos reales que afectaron a la comunidad judía a la que pertenece (La Lista de Shindler´s), las guerras (1941, Imperio del Sol, Salvando al Soldado Ryan, incluso la adaptación de la Guerra de los Mundos); y dónde la niñez y la inocencia se presentan de manera recurrente como personajes en su prolífica obra
De esta manera, Spielberg es Spielberg. Sea como sea, es un autor obligado e indispensable cada vez que presenta algo nuevo en pantalla, y más cuando funge de director. Al igual que Coppola, Scorsese, Kubrick (de quién el mismo Spielberg retomo a su muerte la elaboración del film "inteligencia artificial" con un cuestionable resultado al estilo de peter pan) ver una de sus cintas es una cita obligada con un cine referencial y por encima del promedio, de historias, entretenimiento, espectaculo pero sobre todo, una clase de como hacer cine
Caballo de Guerra (War Worse, 2011) no es un clásico instantáneo ni siquiera lo mejor de Spielberg como director, pero es una película bellamente contada y correctamente elaborada. Nominada en varias categorías de los premios más importantes del mundo del cine- incluyendo mejor película- la cinta se basa en una novela juvenil que narra la historia del joven Albert Narracott (Jeremy Irvine) oriundo de Devon que desarrolla una intensa amistad con su caballo Joey. Cuando estalla la primera guerra mundial, el padre de familia se ve obligado por deudas a vender al caballo al ejército y esta decisión no le gusta nada a Albert. A partir de entonces, el caballo pasa de dueño en dueño (alemanes, franceses y británicos), viviendo desde varios puntos de vista la gran contienda que cambió el mundo.
La película posee una hermosa cinematografía, banda sonora (a cargo del brillante y oscarizado John Williams, colaborador frecuente de Spielberg) dirección de arte, fotografia y un correcto elenco que protagoniza los puntos de la historia a medida que transcurre. La edición sencilla en DVD es modesta pero bien presentada, con apenas un extra sobre la filmación que da relación de la producción de una película de esta envergadura
Quizás un poco idílica y de construcción simple en su argumento, pero cargada de excelentes escenas de enfrentamientos y un trasfondo dónde la guerra sirve de lienzo para entender por las pinceladas de sus personajes como afecta la vida de todos los que en ella participan, Caballo de Guerra le agradará tanto como para verla en video con placer y recomendarla como yo en este momento. Despues de todo no es cualquier director: es Steven Spielberg.
El cine venezolano se ha caracterizado por no ser una industria prolija especialmente en cuanto a filmografias resaltantes- salvo aquella pieza alabada en el mítico festival de Cannes (premio de la crítica internacional), "Araya" de Margot Benacerraf en 1959 la cual se estreno en Venezuela 17 años después¡¡; igualmente es identificable por su baja calidad de producción y dominio de la técnica cinematográfica, y al igual que el país, por relatar historias que reflejan lo peor de nuestra idiosincrasia en decadencia, forma de ser y vivir.
Piezas esenciales en nuestra cinematografía nacional lo certifican, muchas de ellas provenientes en su mayoría de la época conocida como "Nuevo cine venezolano": "Cuando quiero llorar, no lloro" (Mauricio Walerstein, 1973) inaugura con éxito el tipo de relatos que tocan el tema social redituable en términos financieros apareciendo posteriormente clásicos como "El pez que fuma" (Roman Chalbaud) y "Soy un delicuente" (Clemente de la Cerda).
Pese al adelanto tecnológico en procesos de pre y post producción y demostrando el cine que puede manejar otras variantes en su temática, las décadas han pasado y la mayor producción de cine nacional sigue apuntando con mucha más profundidad temas sociales como la delincuencia (La hora cero), secuestro (Secuestro express), sicariato (Sicario), golpes de estado (El Caracazo), extracciones de oro en el Orinoco (Garimpeiro); e incluso por situaciones gubernamentales se ha enfocado en filmar las historias de héroes de la independencia patria (Francisco de Miranda), artistas plásticos (Reverón) por nombar algunas.
Ciertamente el cine venezolano ha tocado en pocas oportunidades temas más sencillos y cotidianos que muestran la otra cara del país que todos queremos, siendo muestras evidentes películas como "El rumor de las piedras" e incluso la película "Hermano" que termina sucumbiendo a la realidad decadente en términos sociales de nuestro país
El cine tiene como función reflejar realidades y también evadirlas, imaginarlas o fabularlas; soñar e inspirar al espectador en un examen terapéutico de felicidad, confort, conciencia, reflexión y ensoñación que se valora mucho más cuando viene de la propia cosecha patria, altamente criticada por reflejar antivalores (embarazo precoz, sexo, prostitución, abandono infantil, pobreza, infidelidad,consumo de sustancias estuperfacientes, groserias, marginalidad); en vez de valores ciudadanos que deben repercutir con fuerza en el momento actual dónde los cambios y los mensajes deben dirigirse a la unidad, la vida y a recuperar las mejores situaciones personales y grupales del colectivo.
En este sentido, Olegario Barrera nos trae la fábula inspirada en una historia de su cosecha, "El manzano azul" que al igual que su opera prima "pequeña revancha" (1986) se vale de la mirada de un niño para contar la historia que protagonizan los adultos a su alrededor y como esa influencia termina generando cambios positivos.
Diego, un muchacho citadino de unos 11 años, marcado por serias carencias afectivas, se ve obligado a pasar unas vacaciones con su abuelo Francisco, a quien apenas conoce, en una pequeña finca ubicada en las montañas de los Andes Venezolanos. Sin televisión, sin celular, incluso sin luz eléctrica y con un frio que cala hasta los huesos, Diego vive una experiencia que lo marca para toda la vida.
La película refleja valores positivos como el amor entre un abuelo y su nieto, la lectura, el amor por la tierra y su gente, la solidaridad, la unión, el respeto por los demás y por uno mismo, el valor de la palabra empeñada; y al mismo tiempo hace una leve mención crítica a la política diciendo que "la política no es mala, lo que son malos son los que la hacen", igualmente a la corrupción; todo dentro de una fábula que sin ser perfecta por carecer de un sólido guión con líneas memorables o una acabada calidad en otros aspectos técnicos o actorales, resulta refrescante como la brisa del páramo y un agrado especial por los mensajes que logra transmitir al público; sin desvirtuar el mensaje hacia la crítica de los temas sociales clásicos.
Esta fábula sencilla ofrece al espectador y al niño protagonista de la cinta, a través de la figura del abuelo (un entrañable Miguel Angel Landa) y del manzano azul varias enseñanzas para la vida y para aplicarlas nosotros mismos, comenzando en la crianza actual y la convivencia en los hogares
Sin ser un prodigio del séptimo arte, el manzano representa una visión mejor del país que todos queremos y necesitamos para vivir, de ahora en adelante. Recomendada. Véala y apoye al cine nacional que en este caso, realmente lo merece. Y no se pierda al principio de la proyección el cortometraje "música del cielo", un esfuerzo loable del amateur director Albi de Abreu
Basada en una película previa, Contrabando (2012) es una película de encargo que funciona en base a una fórmula, personajes, escenarios, acciones y resultados. Con una trama predecible pero efectiva en cuanto al género de acción y de estafadores, peca de tener un argumento rígido con escenas inverosímiles, basada en las decisiones que el protagonista debe tomar en base a situaciones sobrevenidas y a veces sin mayor explicación. Los buenos son buenos, los malos son malos (y caricaturescos); y las sorpresas al final, no son sorprendentes. Como entretenimiento para el amante de este tipo de películas funciona, aunque está plena de estereotipos y de una banda de ladrones que apenas se manifiestan en relación al jefe, porque son demasiado nobles o poco ambiciosos para arriesgar sin dudarlo todo por el capataz de la operación.
Mark Wahlberg hace el papel de tipo duro al estilo de Max Payne que le hemos visto hacer en otras películas similares, alcanzando nuevamente la venganza sin esforzarse mucho más de lo que su cara y estampa de tipo duro le acerca al resultado. Kate Beckinsale (Inframundo) sólo funge de elemento decorativo. Disponible en video y en cines a partir de mayo. Para ver si no tiene algo mejor que ver o hacer
Manual de amor 2 - corregido y aumentado es la continuación de la trilogía de películas que rinden homenaje al género de la comedia romántica italiana y que se basa en el programa radial ficticio "Manual del amor" que por las ondas herzianas cuenta historias con o sin la participación del radio escucha que tienen como denominador común el amor.
Con el mando a cargo del mismo director de la primera entrega (Giovanni Varonesi), la película se estructura en 4 actos y un epílogo. El primer acto se titula Eros y relata la historia de un chico que se enamora locamente de su fisioterapeuta, y viceversa (Monica Belluci); Maternidad (el mejor segmento de la entrega) que relata la frustación de una pareja que quiere tener hijos y viaja a Barcelona (España) para realizarse la inseminación artificial; Matrimonio que se centra en la lucha de una pareja gay por casarse ante la negativa del padre; Amor Extremo dónde una joven española viaja a Italia para conocer a su padre y termina viviendo un affaire amoroso con su jefe, un hombre mayor; y finalmente el epílogo que sirve como resumen de la historia entre Cecilia y Ernesto en el capitulo de amor extremo
Esta entrega presenta nueva caras y vuelve a mostrar rostros conocidos de la primera entrega, en otros papeles como en el episodio titulado Maternidad (Sergio Rubini); y el episodio Amor Extremo (un estupendo Carlo Verdone).
Sin ser mejor que la anterior y al mismo tiempo que funciona para ver cine europeo, la película sirve como repaso de las relaciones de pareja y el amor como sentimiento universal, dónde muchos espectadores pueden verse reflejados ya sea por experiencia propia o por recordar a algún conocido que paso por esa situación. Comedia muy ligera y por momentos empalagosa y en otra con un justo equilibrio de la comedia, sin grandes planteamientos existenciales, demuestra nuevamente que el cine puede fungir de espejo y consejero al reflejar conflictos reales en la búsqueda de todos por el ideal que representa el amor. Recomendable. Disponible en ventas callejeras de Bellas Artes
¿Cual es la mejor manera de identificar a un fanático del comic? quizás por su forma de vestir a la usanza de la serie "The big bang theory" o de la película "virgen a los cuarenta" (a modo de broma y referencia por supuesto); quizás por su carácter introvertido- o extrovertido; su entusiasmo exacerbado por un comic o personaje por el simple placer que le reporta identificarse con aquello que mejor le representa (heroe o villano); e incluso porque para ser un entusiasta sólo se necesita serlo, garantizando adicionalmente el atributo de ser democrático y universal, es decir, que no distingue ni excluye entre razas, credos, colores, religiones, idiomas e incluso edades. Queda claro que en el inconciente colectivo, todos hemos soñado alguna ver con ser héroes (de ahí disfrazarnos de niños con una capa, antifaz o un símbolo en el pecho). En definitiva, el héroe te inspira a vencer la adversidad por muy ruda o imposible que sea
El cine como aliado del comic, ha logrado versionar a héroes como Súperman, Batman, Linterna Verde (DC Comics); X-Men, Iron Man, Dardevil (Marvel) con mayor o menor acierto y a dispuesto el campo para mejores adaptaciones. Poco pensé que asistir en mi país a una función del día de estreno de una película del género de superhéroes, antecedida de abundante material promocional por las redes sociales que genera gran expectativa en el espectador, estuviese tan concurrido: las funciones previas en formato 3D totalmente agotadas (la primera de ellas a medio día), casi 50 minutos de espera en cola para ingresar a la sala (en una función igualmente vendida), y al salir una cola aún mayor para la siguiente función.
Niños y niñas de todas las edades, compañeros de trabajo o estudios (algunos de los que presumí estaban prófugos de su labor cotidiana), familias completas, novios, casados, ancianos, y un variado crisol de fanáticos (declarados apasionados o tímidos en el closet) de los comics y de las películas, esperaban pacientemente para ver por primera vez lo que todo fanático (o friki como también se conoce) ha soñado en una película del género: la reunión de grandes superhéroes luchando contra una amenaza imposible para salvar al mundo.
Y Marvel ofrece por primera vez esta posibilidad con Los Vengadores, la cual ha estado antecedida de las adaptaciones cinematográficas de otras historietas como Hulk, Capitan América, Thor, Iron Man y de la presencia de Nick Fury (Samuel L. Jackson) quien ha sido introducido en cada una de estas películas por breves minutos planteándole al héroe de turno la posibilidad de un reclutamiento de los más connotados súper humanos por parte de la Agencia para el mantenimiento de la paz (SHIELD), ante la necesidad de que algún día se vea el mundo en la necesidad de disponer de un equipo de súper heroes para salvar al mundo del desastre seguro.
De esta forma, Hulk (Mark Ruffalo le da vida a Bruce Banner antes de convertirse en el gigante verde), Ojo de Halcón (Jeremy Renner), Viuda Negra (Scarlett Johansson), Capitán América (Chris Evans), Iron Man/Tony Stark (Robert Downey Jr.) y Thor (Chris Hemsworth) aparecen en escena y listos para luchar contra el villano Loki (hermano de Thor) quien comanda una amenaza sin precedentes por la conquista del mundo
No tema lector de que le adelantaré algo sobre la trama, púes le quitaría emoción al relato épico que por su naturaleza destaca el gran heroísmo de cada uno de los protagonistas (no sin antes introducirlos por separado a cada uno en el relato al gran público antes del inminente ensamble). El director, productor y compositor Joss Wheddon (guionista de algunas películas y comics) cuyos limitados créditos incluyen a Buffy la cazavampiros, Angel y la serie intergalactica Serenity, sorprende al cumplir con solvencia la responsabilidad de mostrar el momento de gloria de estos poderosos e icónicos héroes, incluso en un contexto mucho mayor en escala a sus películas originales.
Los personajes poseen un adecuado desarrollo a pesar del multi protagonismo de egos -y poderes- con diálogos y escenas plenas de acción, rapidez, ingenio, drama, humor y dónde cada quién tiene la oportunidad de lucirse con su personalidad y carisma, así como su fuerza física o habilidad; y permite la presentación de personajes conocidos como Pepper Potts (Gwyneth Paltrow), Phil Coulson (Clark Gregg), Viuda Negra de Iron Man 2 de quien dice se estaría planteando su propio spin off; y de nuevos como Ojo de Halcón y Maria Hill (Cobie Smulders)
El personaje de Hulk puede que sea la mejor versión digital del personaje que se ha visto en cine, pues de manera hábil ha sido dotado de una personalidad y un carisma cómico que destaca en el metraje y que no vimos en las dos anteriores versiones del mismo (por momentos me recordó al personaje "Bestia" del Show de los Muppets quién tocaba la bateria siempre con una cadena a modo de control en el cuello). El Bruce Banner de Ruffalo es fresco y más intelectual que los anteriores, pero aún sigo pensando en Edward Norton que construyó el mismo personaje como homenaje al desarrollado en la pantalla chica por Bill Bixby en la serie homónima de los años 70.
Por otra parte el héroe que destaca por su carisma y diálogos es Iron Man. Por momentos roba el protagonismo por la desfachatez de sus planteamientos (en su alter ego de Tony Stark). Esto no desmejora la presencia de los demás que son heroicos con frases comprometidas- y hasta patrióticas como el Capitan América; y no narcisistas y egocéntricos como este
Todo es épico en esta película: Buena cantidad de efectos visuales, gran producción, sonido estridente, premisa adecuadamente desarrollada y diálogos ingeniosos en esta primera convivencia súper heroica en pantalla grande. La película viene en 3D (particularmente me mareó) y en 2D. El 3D no reporta un nivel nuevo a la cinta por lo cual verla sin los lentes, además de ser más barato, hará que la aprecie mejor
Le sugiero se quede después de los primeros créditos finales para ver la escena sorpresa acostumbrada que Marvel prepara en sus películas y que da cierta pista sobre una segunda entrega. Dispóngase a comer sus cotufas, bebidas, tequeños y demás golosinas y a desconectarse de su realidad durante 2 horas y 20 minutos y prepárese a disfrutar de un comic como cuando era niño. Esto no es Shekespeare, pero si un producto para su entretenimiento y diversión. Recomendada sin ser la mejor película del género que he visto, pero es solvente y cumple su función y propósito. Veala mientras espera la última entrega de la trilogía más oscura y existencialista de Nolan hecha hasta el momento de otro héroe de comic: Batman
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